A empresa de vendas Charades, com sede em Paris, fechou uma série de negócios asiáticos no filme de animação de Kohei Kadowaki, ‘We Are Aliens’, antes de sua estreia no Festival Internacional de Cinema de Animação de Annecy em competição.
A coprodução nipo-francesa foi vendida para Geen Narae Media na Coreia do Sul, Hooray Films em Taiwan, Shaw Organization em Cingapura, Intercontinental Film Distributors em Hong Kong e Sahamongkol Film na Tailândia.
Escrito e dirigido por Kadowaki, “We Are Aliens” segue dois meninos em uma pequena cidade japonesa cuja amizade é alterada por um ato de traição que continua a moldar suas vidas até a idade adulta. O longa marca a estreia na direção de Kadowaki, formado pela Universidade de Artes de Tóquio, cujo estilo visual distinto combina técnicas de animação com uma abordagem observacional aguçada da vida cotidiana.
“We Are Aliens” é produzido pela japonesa Nothing New e pela francesa Miyu Productions, com a Dulac Distribution cuidando da distribuição nos cinemas franceses. A Charades gere as vendas internacionais e está atualmente em discussões ativas com compradores em vários territórios europeus. A onda de vendas asiáticas surge logo após a estreia mundial do filme na Quinzena dos Realizadores de Cannes e antes da sua estreia em Annecy, onde será exibido na prestigiada competição de longas-metragens do festival.
Antes de sua estreia em Annecy, Variedade conversou com Kadowaki sobre sua técnica, uma mistura singular de animação 2D e rotoscopia sublinhou a atmosfera misteriosa de sua história de maioridade.
Para começar, vamos ao início: Qual é a sua primeira lembrança de animação?
Kohei Kadowaki: Minha lembrança mais antiga de assistir animação remonta a quando eu ficava na casa da minha avó. Havia apenas três filmes disponíveis para assistir: “A Pequena Sereia”, “Doraemon: Nobita e o Nascimento do Japão” e “Doraemon: A Grande Aventura de Nobita nos Mares do Sul”. Sem outras opções, continuei assistindo os mesmos três filmes repetidamente. Essas experiências se tornaram meu primeiro encontro com animação. Foram os filmes “Doraemon” que me inspiraram a seguir a carreira de diretor de animação. Então, de certa forma, se eu nunca tivesse descoberto esses filmes, “We Are Aliens” nunca teria sido feito.
Em “We Are Aliens”, as ondas que uma amizade degradante envia ao longo do tempo para ambos os personagens criam uma história comovente, especialmente para um dos seus dois personagens. Como você abordou a escrita desta história?
As lembranças do meu primeiro amor e de um amigo com quem gradualmente perdi contato permaneceram comigo com muita força ao longo dos anos e acredito que tiveram uma influência significativa no meu trabalho criativo. As memórias associadas a eles permanecem tão vívidas que ainda consigo recordar as cenas e a atmosfera daqueles momentos com grande detalhe. Nesse sentido, tornaram-se o ponto de partida deste filme.
Mergulhando em seu processo artístico, você construiu um fluxo de trabalho que combina animação 2D e rotoscopia. O que o levou a essa abordagem e como essas escolhas artísticas repercutiram na sua história?
Projetar uma experiência que permitisse ao público ter empatia genuína com os personagens depois de assistir ao filme foi absolutamente essencial para o projeto.
A maioria dos animadores que ingressaram nesta produção tinha pouca ou nenhuma experiência anterior em animação. Por causa disso, senti que não seria a abordagem mais eficaz pedir-lhes que criassem do zero os inúmeros movimentos pequenos e aparentemente desnecessários que fazem as crianças se sentirem reais. Para captar esses gestos sutis, decidi que a rotoscopia era a técnica mais adequada, pois é excelente na preservação das nuances do movimento humano.
Ao mesmo tempo, eu já havia usado a rotoscopia muitas vezes e estava bem ciente de suas limitações. Embora possa alcançar um realismo notável, também corre o risco de sacrificar outras qualidades importantes da animação. Se usado de forma descuidada, o resultado pode acabar contendo menos informações do que a ação ao vivo, ao mesmo tempo que parece menos fluido e atraente do que a animação convencional.
Para resolver isso, desenvolvemos uma abordagem híbrida especificamente para este filme. Usamos a rotoscopia apenas para capturar os elementos essenciais dos movimentos sutis das crianças, das expressões faciais delicadas e das mudanças complexas no peso corporal.
Dupla de ‘Somos Alienígenas’, Tsubasa e Gyotaro. Créditos Nada Novo/Miyu Productions
Para elementos que se beneficiam de uma sensação de movimento mais expressiva e satisfatória – como cabelos, roupas e ações secundárias – contamos com métodos de animação tradicionais, começando com desenhos brutos. Ao combinar essas abordagens, conseguimos superar muitas das limitações técnicas da rotoscopia.
Acredito que esta linguagem visual era algo que precisava ser inventado especificamente para este filme. Através destas escolhas, espero que o público seja capaz de reconhecer intuitivamente traços do seu eu mais jovem, ou talvez memórias de um amigo de infância, nos movimentos dos personagens. O objetivo era fazer com que os personagens se sentissem pessoalmente familiares antes mesmo que o público refletisse conscientemente sobre a história.
Olhando para trás, o que mudou entre a sua primeira ideia e o filme final?
A estrutura fundamental do filme permaneceu a mesma desde o início. O que mudou ao longo do caminho foi a incorporação gradual de elementos do gênero. Através de inúmeras revisões do storyboard, tornei-me cada vez mais consciente da necessidade de manter a atenção e o envolvimento emocional do público. Como resultado, momentos de ação, suspense e espetáculo cinematográfico entraram no filme. Por exemplo, a sequência de ação entre os dois protagonistas não fazia parte do conceito original. Ele foi adicionado mais tarde, enquanto eu procurava maneiras de enriquecer a experiência de visualização e, ao mesmo tempo, permanecer fiel à essência emocional do filme.
O filme é uma coprodução franco-japonesa. Vocês poderiam explicar como construíram esse projeto juntos?
Tudo começou quando nossos dois produtores trouxeram um teaser de um minuto para Cannes. Pensando em como uma conexão levou a outra e eventualmente nos trouxe até este ponto, acho toda a história extraordinária.
Na verdade, a jornada deste filme foi tão cheia de reviravoltas inesperadas, encontros e boa sorte que parece dramático o suficiente para ser um filme por si só.
De Cannes a Annecy, o debate em curso em torno da IA ainda é vívido. Como diretor de animação e artista multidisciplinar, como você se sente em relação a essa tecnologia no que diz respeito à indústria da animação?
A tecnologia há muito tempo é capaz de detectar automaticamente áreas de seleção e preencher cores com um único clique. No entanto, há cinquenta anos, os animadores pintavam cada quadro à mão, utilizando materiais físicos. Da perspectiva deles, eles provavelmente pensariam que hoje é incrivelmente fácil.
Nesse sentido, vejo a IA apenas como mais uma ferramenta na evolução contínua da tecnologia. Cada geração de artistas encontra novas ferramentas que mudam o processo de produção.
Em última análise, não creio que a questão seja se uma ferramenta torna as coisas mais fáceis ou mais difíceis. O que importa é quem consegue criar o trabalho mais atraente. Se uma ferramenta específica ajuda um artista a conseguir isso, então ela tem valor.
Para mim, porém, ainda acredito que as ideias mais interessantes surgem quando eu mesmo as penso e as traduzo em desenhos com minhas próprias mãos. No momento, esse processo continua sendo a forma mais gratificante e eficaz de criar o tipo de trabalho que desejo fazer.
Por causa disso, atualmente não vejo um papel significativo para a IA na minha prática criativa.
‘We Are Aliens’ estreou em Cannes e agora segue para Annecy. Como você se sente com esse reconhecimento de ambos os festivais?
Estou muito animado. Antes de Cannes, às vezes eu me preocupava com a reação do público ao filme e me perguntava o que aconteceria se a reação fosse morna. Mas depois das experiências que tivemos até agora, essas preocupações desapareceram em grande parte.
Agora, minha excitação é muito maior do que qualquer ansiedade. Mais do que tudo, espero que o público goste do filme e estou ansioso para compartilhá-lo com todos.
Hoje, enquanto você se dirige ao festival, qual é a sua opinião sobre o meio animado como artista?
Às vezes me pego pensando sobre qual é realmente a definição de animação.
Mesmo na produção de filmes de ação ao vivo, muitos elementos do que vemos são criados artificialmente. A iluminação utilizada num cenário – seja para simular a luz solar ou moldar a atmosfera de um interior – é cuidadosamente concebida e não simplesmente gravada. Maquiagem, superfícies pintadas e inúmeras outras intervenções são utilizadas para transformar a realidade. Da mesma forma, muitas criaturas e ambientes criados através de CGI são, em essência, animação.
Portanto, quando as pessoas perguntam onde está a fronteira entre a animação e outras formas de cinema, acho difícil traçar uma linha clara. Pessoalmente, tendo a pensar na animação num sentido muito mais amplo. Em vez de ver isso como uma categoria separada, vejo-o como uma das muitas maneiras pelas quais os cineastas moldam a realidade e criam movimento, emoção e significado na tela.
Talvez por isso considero a animação algo muito mais expansivo e natural do que a definição convencional muitas vezes sugere.
