Margaret tem plena consciência do que está fazendo quando realiza essas manobras empáticas, mas permanece alheia ao modo como ela mesma está sendo manipulada – quando fala russo ou coreano, quando cacareja. Há uma ligação entre essas formas conscientes e inconscientes de controle da mente e, para Spielberg, a eventual tomada de consciência de Margaret é uma questão de moralidade fundamental. É também um retrato auto-estimado e desafiador de sua própria arte de fazer cinema.
O espaço de trabalho onde Hugo dirige o grupo de libertação tem uma semelhança peculiar com um estúdio de cinema. O espaço é grande, vazio e parecido com um hangar, cheio não de agentes secretos colados em monitores, mas de artesãos montando molduras e paredes para o que parece ser um cenário onde uma cena fictícia seria filmada; Hugo de fato chama isso de “área de preparação”. Ao longo do “Disclosure Day”, cada vislumbre do espaço de trabalho revela aquele conjunto num estado de construção mais avançado, até que o seu ponto é finalmente revelado: Margaret é levada, para uma espécie de regressão, a visitar uma réplica perfeitamente detalhada da casa de sua infância – onde, aos dez anos de idade, ela foi, para não dizer muito bem, capturada por alienígenas. Ela não tem lembranças de antes daquele evento e preencheu a lacuna com culpa e arrependimento. Sua visita psicodramática ao domicílio tem como objetivo devolver-lhe a infância – em outras palavras, devolvê-la a si mesma.
Essa presunção destaca a diferença essencial entre os poderes de Margaret e os de Daniel. Quando ela lida com sentimentos, ele é um cara de números – os ruídos que Margaret faz na TV são tão claros quanto o inglês para ele, porque ele reconhece os sons como códigos de oito bits. Ele é o dono da trama, o portador da mochila, o metteur en scène do dia de divulgação titular do filme. No entanto, ele é incapaz de colocar seu roteiro em ação sem a ajuda de Margaret, a atriz de múltiplos papéis, a mestra dos disfarces – em termos cinematográficos, a atriz, que é drasticamente transformada em personagens radicalmente diferentes dela e que, por sua vez, toca seus espectadores nos recantos mais vulneráveis de suas almas. Na visão de Spielberg, Margaret é a performer que é obrigada a dar de si mesma, na verdade até demais, para as necessidades da trama abrangente e do bem comum. Isso é dela vulnerabilidade que, eticamente, mais importa.
A cena do autoconfronto de Margaret é uma combinação extraordinária de exaltação e kitsch. O próprio Spielberg está visivelmente dominado pelo seu poder emocional avassalador, pela sua combinação de metafísica e teatro. Mas ele constrói a transfiguração operística de Margaret sobre um núcleo de sentimentalismo suburbano, e às vezes o schmaltz vence. Isso me lembrou de algo que há muito sinto sobre o trabalho de Spielberg, que é que sua narrativa tende para a média cultural, com tipos representativos cuja individuação está subordinada à luz da história de fundo e à velocidade livre de digressões de sua ação. Sentimentalismo é aproximação; A regressão de Margaret leva “Disclosure Day” de volta à zona de conforto de Spielberg, um passado genérico e muito familiar da cultura pop.
No entanto, há um ajuste crítico embutido na cena envolvendo o usa do sentimentalismo infantil, e aqui, novamente, Spielberg sugere uma autoconsciência dos perigos de sua prática e a importância essencial de ter um sistema de ideias virtuoso no centro de tal drama. Margaret foi efectivamente vítima de um trauma de infância, embora tenha sido ostensivamente infligido moralmente, para o benefício planeado de toda a humanidade. Na visão democrática de Spielberg, o benefício da humanidade em geral é impossível sem a redenção da sua vítima zero. (A noção traz à mente um precursor colossal: a redenção cósmica de uma mulher chamada Margaret, na obra “Fausto.”)
Por mais surpreendente que seja o filme, ele é repleto de sequências que parecem planejadas para vender seus conceitos extravagantes. Há até uma cena muito estressante, envolvendo um trem e um carro (como na cena primária de “The Fabelmans”), que desempenha o mesmo papel da perseguição montanhosa em “One Battle After Another” de Paul Thomas Anderson: fazer um filme de orientação ideológica enfática funcionar como um filme de ação. Uma cena de ação muito mais satisfatória ocorre quando Margaret, após a regressão, encontra uma nova forma de poder baseado em princípios, colocando a mão em um dos poderosos dispositivos semelhantes a bastões e liderando o grupo de Hugo na batalha – agora, com a consciência restaurada, fazendo isso plenamente como ela mesma. A ação resultante faz um uso delicioso de efeitos especiais para conjurar um tropo cinematográfico clássico – a invisibilidade – em uma nova forma espetacular.
