David Hockney: O mestre moderno que se tornou um favorito popular

Das piscinas azul-celeste da Califórnia às exuberantes paisagens verdes de sua terra natal, Yorkshire, a arte de David Hockney estava repleta de cor e luz.

Ao longo de mais de sete décadas, a sua visão alegre e optimista fez dele um dos artistas mais populares do mundo, responsável por algumas das imagens mais memoráveis ​​dos séculos XX e XXI.

Em 2018, a sua pintura Retrato de um Artista (Piscina com Duas Figuras) foi vendida em leilão em Nova Iorque por 90 milhões de dólares (70 milhões de libras) – quebrando o então recorde de uma obra de um artista vivo.

Há muito visto como um “tesouro nacional”, com seus enormes óculos redondos, suave rebarba de Yorkshire e cabelo loiro descolorido – substituído anos mais tarde por uma série de bonés planos – sua imagem era quase tão distinta e familiar quanto suas pinturas.

Embora recorresse liberalmente à arte do passado – desde os mestres da Renascença ao expressionismo abstrato de Jackson Pollock – ele seguiu consistentemente o seu próprio caminho, recusando-se a conformar-se com as modas artísticas da época.

Como rebelde da escola de arte, foi-lhe inicialmente negado um diploma, em parte porque se recusou a completar um trabalho de redação, insistindo que deveria ser julgado apenas pela sua obra de arte.

No início de sua carreira, quando a vertente dominante da vanguarda era a abstração, ele contrariou a tendência da pintura figurativa, muitas vezes em cores vivas e com estilo primitivista.

Anos mais tarde, quando alguns críticos consideraram a sua adoção da pintura de paisagem um passo retrógrado, ele deixou claro que “não se importava” com tais críticas.

Tendo crescido sob os céus do norte da Bradford industrial, ele ficou encantado com a luz e as liberdades da Califórnia dos anos 1960, fazendo do estado seu principal lar por 40 anos.

Em particular, como homem assumidamente gay numa época em que a homossexualidade ainda era ilegal em Inglaterra, ele abraçou com entusiasmo a oportunidade de explorar a sua sexualidade.

Ele produziu uma série de pinturas apresentando homens nus ou seminus, que mais tarde descreveu como “propaganda homossexual”.

Ele disse: “Achei que deveria ser feito. Ninguém mais usaria isso como assunto porque fazia parte de mim. Era um assunto que eu poderia tratar com humor.”

Incansavelmente criativo, ele ficou fascinado pelas oportunidades de usar a tecnologia para produzir arte: na década de 1980, fez colagens de fotos em grande escala usando impressões Polaroid, enquanto na década de 2000 usou o aplicativo Brushes para criar centenas de fotos em seu iPad.

Seus temas variavam desde naturezas mortas e paisagens até inúmeros retratos de amigos e familiares – e até mesmo de seus dachshunds de estimação – bem como projetos de palco para teatro e ópera.

Fumante de longa data, raramente visto sem um cigarro na mão, Hockney criticava regularmente os “pequenos Hitlers” que procuravam reprimir a prática.

Aos 80 anos, ele até mandou fazer crachás com o slogan “Acabe com a mandona logo” – ele brincou que uma exigência de “Acabar com a mandona agora” seria simplesmente “muito mandona”.

David Hockney nasceu em Bradford em 9 de julho de 1937, o quarto de cinco filhos de uma família da classe trabalhadora.

Seu pai, Kenneth, era um contador que pintava cartazes “Ban the Bomb” para manifestantes locais pela paz, enquanto sua mãe, Laura, era metodista e vegetariana estrita.

Com apenas 11 anos decidiu que queria ser artista, ambição que não foi incentivada pelos professores da Bradford Grammar School, mas com o apoio dos pais, ingressou na faculdade de artes local.

De lá, ele foi para o Royal College of Art, em Londres, onde foi ridicularizado por seu sotaque de Yorkshire. De sua parte, ele não ficou impressionado com as habilidades de seus algozes.

“Eu olhava para os desenhos deles e pensava que se desenhasse assim ficaria de boca fechada”, lembrou ele mais tarde.

Houve um desentendimento memorável com as autoridades da faculdade quando ele foi avisado de que não poderia se formar – em parte porque não havia feito desenhos de vida suficientes.

Ele respondeu produzindo Life Painting for a Diploma apresentando um nu masculino copiado de uma revista americana de musculação ao lado de um estudo anatômico de um esqueleto humano.

Diante de um talento tão avassalador, o colégio recuou, concedendo-lhe a prestigiada medalha de ouro pela pintura – que ele colecionou de maneira adequadamente extravagante, vestido com um terno dourado de lamê.

Claramente uma superestrela em formação, ele apareceu na famosa exposição Young Contemporaries da Royal Society of British Artists de 1961, que apresentou o trabalho da nova onda de “pop art” britânica com artistas como Peter Blake.

Embora associado ao movimento, que apresentava imagens da publicidade e da cultura popular, seu estilo era um pouco diferente, valendo-se de elementos expressionistas que lembravam Francis Bacon.

Foi, no entanto, a sua mudança para Los Angeles em 1964 que trouxe a mudança decisiva no seu trabalho que iria realmente construir a sua reputação.

Em contraste com a monótona e modesta Grã-Bretanha do pós-guerra, ele ficou desde o início intoxicado pela luz solar brilhante e pelas liberdades hedonistas que encontrou na Califórnia.

“No momento em que cheguei à América pensei ‘Este é o lugar’”, lembrou ele mais tarde.

“Fui atraído pela Califórnia, o que eu não sabia… porque senti que o lugar me excitaria. Sem dúvida, tinha muito a ver com sexo.”

Depois de conseguir um emprego como professor de desenho na Universidade da Califórnia em Santa Cruz, ele começou um relacionamento com um estudante de 17 anos, Peter Schlesinger, que também se tornou sua musa.

Foi neste período – influenciado pelas linhas duras e limpas e pelas cores vivas de artistas pop americanos como Roy Lichtenstein – que ele produziu algumas das suas obras mais famosas.

Utilizando o relativamente novo meio acrílico, com cores fortes e vibrantes, ele criou uma série de imagens impressionantes de piscinas – mais notavelmente A Bigger Splash – que pareciam encapsular o fascínio do estado que ele chamou de “terra prometida”.

Ele também pintou um dos mais conhecidos de seus muitos retratos – Sr. e Sra. Clark e Percy – retratando seus amigos, os estilistas Celia Birtwell e Ossie Clark, com seu gato de estimação.

Com os negociantes de arte clamando para exibir e vender suas obras, ele conseguiu alugar uma casa em Hollywood Hills, que mais tarde comprou e ampliou para incluir um estúdio, além de adquirir uma casa de praia em Malibu.

Ele começou a experimentar técnicas de fotocolagem: sua Pearblossom Highway, representando um trecho de estrada deserta, é composta por 850 Polaroids tiradas de diferentes ângulos para criar um efeito comparado ao cubismo.

Em 1999, ele desistiu da pintura por dois anos enquanto explorava sua teoria de que antigos mestres como Vermeer e Caravaggio usaram espelhos e lentes, no precursor primitivo da fotografia, para desenhar com precisão a vida.

Adquiriu uma câmera lúcida que aprendeu sozinho a usar e logo passou a produzir retratos a lápis muito rápidos e precisos de amigos, familiares e de si mesmo – embora sempre tenha negado que a técnica fosse uma forma de “trapaça”.

Na década de 1990, ele começou a retornar com mais regularidade a Yorkshire, onde foi incentivado por um amigo a começar a capturar o ambiente local, o que inicialmente fez de memória, completando sua pintura de Garrowby Hill em 1998.

Apesar dos anos que passou nos Estados Unidos, ele insistiu que sempre se sentiu “muito inglês”.

Ele disse: “Sou do campesinato, francamente. Mas isso faz você se conectar com a terra e porque eu encontrei esse assunto, na minha idade é ótimo, você persiste e fica excitado”.

Ele finalmente voltou em tempo integral, estabelecendo-se no balneário de Bridlington, enquanto saía para pintar a paisagem circundante ao ar livre, usando óleos e aquarelas.

Suas obras dessa época incluíam a enorme Bigger Trees Near Warter, uma pintura a óleo com mais de 12 metros de largura, composta por 50 painéis, que ele concluiu em 2007.

Em 2012, uma exposição na Royal Academy focada nas suas paisagens de Yorkshire, intitulada A Bigger Picture, foi um sucesso estrondoso, atraindo 600.000 visitantes, confirmando efetivamente o seu estatuto como o artista vivo mais amado do país.

Também destacou o uso crescente da tecnologia, incluindo desenhos no iPad e uma série de filmes produzidos com 18 câmeras que foram exibidos em várias telas.

A tragédia aconteceu no ano seguinte, quando seu assistente de 23 anos, Dominic Elliott, morreu depois de beber um limpador de ralos doméstico na casa do artista, depois de consumir primeiro um poderoso coquetel de drogas e álcool.

Um inquérito ouviu que Hockney, que estava cada vez mais surdo, dormiu durante todo o tempo, sem saber o que estava acontecendo. Na sequência, ele voltou para a Califórnia.

Tendo uma vez recusado a oportunidade de pintar a Rainha Elizabeth II, ele alegou que estava “muito ocupado” pintando a Inglaterra – “seu país”, mas ainda assim encontrou tempo para projetar um vitral na Abadia de Westminster em homenagem a ela.

Inaugurado em 2018, marcou seu amor pelo campo com uma cena de flores de espinheiro de sua terra natal, Yorkshire. “Espero que ela goste”, disse ele.

Quando a pandemia de Covid-19 atingiu em 2020, ele retirou-se para uma casa de fazenda isolada na Normandia, onde montou um estúdio. Com a típica ousadia, ele também aproveitou a oportunidade para defender os benefícios do seu amado fumo – sugerindo que isso poderia afastar a doença.

Aos 87 anos, a Fondation Louis Vuitton em Paris organizou a maior exposição da sua arte, com mais de 450 obras – a maioria dos 25 anos anteriores – enchendo todo o museu, para seu óbvio prazer.

Contudo, a esta altura a sua saúde estava em grave declínio e ele necessitava de cuidados de enfermagem 24 horas por dia.

Mesmo assim, ele permaneceu resolutamente otimista. Certa vez, ele disse que sua perda de audição na verdade aprimorou seu trabalho – “Se você perde um sentido, ganha outros sentidos, e sinto que posso ver o espaço com mais clareza.”

Ele nunca perdeu o amor pela pintura, continuando a trabalhar de quatro a seis horas por dia.

“Fico mais feliz quando estou pintando”, disse ele. “Se posso pintar todos os dias, não me importo com mais nada.”