Desde a sua criação, há 35 anos, os Clássicos da Sony Pictures – sob a liderança incomumente consistente dos co-diretores Michael Barker e Tom Bernard – têm sido um bastião do cinema de mentalidade social no cenário global.
As marcas registradas do estúdio incluem cinema internacional que questiona o poder do Estado (“Persépolis”, “Ainda estou aqui”); dramas baseados em personagens centrados na identidade (“All About My Mother”, “Call Me By Your Name”); documentários sobre corrupção e direitos humanos (“The Fog of War”, “Inside Job”); e lançamentos de prestígio que exploram a desigualdade estrutural (“Indochine”, “Incendies”), questões sociais urgentes (“The Father”, “Foxcatcher”) e iconoclastas que desafiaram as normas sociais (“Badasssss!”, “Searching for Sugar Man”).
O estúdio também manteve uma orgulhosa história de apoio a cineastas (“Orlando”, “Europa Europa”, “The Rider”), sem mencionar uma dedicação persistente às comunidades sub-representadas. Na verdade, em 1996, o documentário “The Celluloid Closet” — da dupla ganhadora do Oscar Rob Epstein e Jeffrey Friedman — analisou 100 anos de representação LGBTQ+ no cinema de Hollywood.
Muitos desses filmes foram considerados pela indústria dignos de um Oscar, começando com o primeiro lançamento da Sony Classics: “Howards End”, de Merchant Ivory, em 1992. Esse filme receberia a primeira das 10 indicações de melhor filme para o estúdio. Claro, houve o icônico e recordista “Tigre Agachado, Dragão Oculto” de Ang Lee em 2000, bem como “Filho de Saul” de László Nemes – um drama assustador do Holocausto que se tornou o segundo filme húngaro a ganhar o Oscar de melhor longa-metragem internacional.
É uma linhagem da qual nos orgulhamos e que é cada vez mais difícil de sustentar num clima moderno definido pela consolidação e cautela. O que sempre foi tão admirável é que a Sony Classics conseguiu fazer isso tanto no país como no exterior, centrando-se não apenas nas histórias nacionais de injustiça, mas também nas internacionais. Este ano, dois filmes em particular contribuíram profundamente para este legado: “O Bolo do Presidente”, de Hasan Hadi, ambientado durante o regime assassino de Saddam Hussein no Iraque dos anos 1990, e “Nuremberg”, de James Vanderbilt, sobre o Tribunal Militar Internacional de 1945-46, que viu o alto funcionário nazi Hermann Göring ser condenado por crimes contra a humanidade.
O poder desses filmes e suas duras advertências contra o autoritarismo foram o que levou a família Kramer – em parceria com a Associação de Críticos de Cinema Afro-Americanos e o cofundador e presidente da organização, Gil Robertson – a escolher a Sony Classics como ganhadora deste ano do Prêmio Karen & Stanley Kramer de Justiça Social. É a primeira vez que um estúdio, em vez de um filme ou indivíduo, recebe a homenagem.
O gosto e a missão de Barker e Bernard têm uma notável semelhança com os de meu falecido marido. Quando Stanley fez “Julgamento em Nuremberg”, ele não estava interessado em suavizar a história. Ele serviu na unidade fotográfica do Exército durante a Segunda Guerra Mundial. Ele tinha visto as imagens da libertação dos campos de concentração. Ele sabia o que tinha sido feito em nome da humanidade e compreendia que se os americanos quisessem confrontar a realidade do Holocausto – 6 milhões de judeus assassinados, juntamente com milhões de outros – teriam de vê-lo sem filtros. Stanley foi o primeiro cineasta a incorporar essa filmagem em um filme narrativo.
O público ficou surpreso. Muitos não conseguiam imaginar que os seres humanos pudessem fazer tais coisas. Mas esse era precisamente o seu ponto.
Recentemente exibimos “Julgamento em Nuremberg” e “Na Praia” em reconhecimento aos aniversários dos julgamentos de Nuremberg e dos bombardeios de Hiroshima e Nagasaki. Os temas permanecem urgentes, e é em parte por isso que considero que “Nuremberg” de Vanderbilt e “Julgamento em Nuremberg” de Stanley são peças complementares. Vanderbilt focou suas lentes no sucessor designado de Hitler, interpretado com um carisma arrepiante por Russell Crowe. Enquanto isso, Stanley se concentrou no Julgamento dos Juízes – os homens que usavam túnicas, presidiam a lei e a ordem e assinavam seus nomes em atrocidades. Eles foram a palavra final do seu regime. Eles juraram defender a justiça. E ainda assim eles se esconderam atrás de “ordens”.
Em “Nuremberg”, de Vanderbilt, há um momento em que imagens dos campos são mostradas durante o julgamento, um eco direto do filme de Stanley. O horror é inegável. Mas o que mais permanece para mim é o aviso embutido na história. O filme termina com as palavras do historiador RG Collingwood: “A única pista do que o homem pode fazer é o que o homem fez”. Isso não é uma nota de rodapé histórica. É um espelho.
A história não se repete porque os monstros retornam. Repete-se porque as pessoas comuns decidem que o silêncio é mais seguro. A Sony Pictures Classics entende que o cinema pode enfrentar esse silêncio. Ao longo de três décadas e meia – à medida que os conglomerados se fundem e o risco criativo é reduzido à neutralidade testada pelo mercado – Barker e Bernard mantiveram um caminho ferozmente independente para filmes que desafiam, perturbam e provocam. “O Bolo do Presidente” examina o absurdo autoritário através dos olhos de uma criança. “Nuremberg” confronta de frente a arquitectura do mal patrocinado pelo Estado. Não são filmes confortáveis. Eles são necessários.
Stanley acreditava que a imagem em movimento poderia fazer a diferença, que poderia servir tanto como testemunha quanto como alerta. Essa crença parece mais frágil hoje e mais essencial.
É importante nos lembrarmos do que somos capazes. Esse lembrete não é um ato de desespero. É um ato de vigilância.
Pela sua coragem em colocar tais lembretes no mundo, e por sustentar uma plataforma onde o cinema socialmente consciente possa sobreviver, estou profundamente orgulhoso de apresentar à Sony Pictures Classics um prémio que leva o nome do meu marido. Que a sua missão continue. Precisamos disso.
