Sula Bermúdez-Silverman abraça a diversão e o perigo do dadaísmo – por exemplo, quando ela encerra uma de suas esculturas de vidro em uma tesoura de ferro para ovelhas em “blister iii” (2025).Obra de arte de Sula Bermúdez-Silverman / Cortesia do artista / Hoffman Donahue; Fotografia de Paul Salveson
Embora as esculturas de vidro soprado à mão simultaneamente austeras e sensuais de Sula Bermúdez-Silverman – em forma de lâmpada e fixadas em hastes de aço – não tenham nenhuma semelhança visual com os contornos mais suaves de Machado, ela também sabe algo sobre a história da arte e o humor que pode ser encontrado na grande narrativa. Artista de 33 anos radicada em Los Angeles, Bermúdez-Silverman abraça a diversão e o perigo do dadaísmo – por exemplo, quando envolve uma de suas esculturas de vidro em uma tesoura de ovelha de ferro, em “blister iii” (2025). (Seu trabalho é especialmente eficaz porque Guerrero e Sawyer deram a ele, e a todo o resto da série, bastante espaço.) Bermúdez-Silverman também sabe algo sobre textura, combinando o frágil com o duro e fazendo uso cômico desta última palavra e conceito por toda parte. Seu trabalho é parcialmente alimentado pelo fato de ela ser uma artista feminina que lida com a história da arte centrada no homem; é uma espécie de brincadeira intelectual e visual em torno de obras como “50 cc of Paris Air” (1919) de Marcel Duchamp e o inesquecível “Light Bulb I” (1958) de Jasper Johns. A lâmpada de Johns é moldada em metal Sculp, e a marca da mão do artista é visível na base toscamente esculpida sobre a qual ela repousa, como um corpo em um caixão. As peças de vidro de Bermúdez-Silverman podem ser igualmente antropomórficas. Eles ressoam porque – tal como o trabalho de Sarah M. Rodriguez, nascida no Havai, cujas esculturas de alumínio alongadas e sobrenaturais na Bienal lembram as árvores despojadas, as estruturas destruídas e as pessoas devastadas vistas nos cinejornais sobre Hiroshima, a vida a espreitar através da devastação – são provas do que acontece quando os artistas não fazem da arte sinónimo de desejo de capital.
Não acredito quando as pessoas dizem que, dado o número de artistas e obras incluídas nas Bienais do Whitney, os curadores não conseguem fazer uma declaração coesa sobre a arte contemporânea americana. Em 2022, os curadores da Bienal, David Breslin e Adrienne Edwards, provaram que isso estava errado, entre outras coisas, desafiando a forma tradicional de exibição do trabalho do museu. Eles removeram muitas paredes e colocaram filmes e vídeos lado a lado com pinturas, enquanto esculturas foram espalhadas em lugares inesperados. Desta forma, mostraram-nos que uma exposição não tem de ser algo estacionário – que pode movere ser muitas coisas ao mesmo tempo.
A Bienal de Guerrero e Sawyer, que inclui o trabalho de cinquenta e seis artistas, duplas e coletivos, chega até nós num momento terrível da história americana, quando a retórica é usada para distorcer a realidade e evitar as complicações da subjetividade e das nuances da narrativa. Uma tarde, enquanto tomava notas no Whitney, perguntei-me por que razão, embora houvesse algumas pinturas e desenhos fantásticos de jovens artistas na exposição – o invulgar sentido de cor e as fascinantes formas biomórficas de Johanna Unzueta são reais – eu continuava a voltar às esculturas. Os pequenos e requintados objetos de Kainoa Gruspe feitos com materiais – pedras, restos de tecido, anzóis, pregos, conchas de cauri e assim por diante – que ele coletou em bases militares, resorts e similares no Havaí, seu estado natal, são particularmente eficazes. Naquela tarde, percebi que foi nas esculturas que vi, de forma mais evidente, a vasta divisão entre os artistas que trabalharam para encontrar um novo vocabulário e aqueles que estavam centrados diretamente numa linguagem que não era a sua.
