O coreógrafo Lorin Latarro conhece bem o musical “Chess”. Além de ouvir a gravação do elenco repetidamente quando era uma criança do teatro, ela trabalhou no revival de 2019 no Kennedy Center.
Desta vez, ela está de volta à Broadway e fez a curadoria dos movimentos do revival com Lea Michele, Aaron Tveit e Nicholas Christopher.
O show se passa em meio à Guerra Fria e segue Freddie Trumper (Tveit) e um campeão de xadrez soviético, Anatoly Sergievsky (Christopher). Apanhada no meio da competição e estes dois homens está Florence Vassy, de Michele. Ela está namorando Freddie, mas se apaixona por Anatoly.
O diretor Michael Mayer e Latarro remontam aos seus dias como coreógrafa associada em “American Idiot”. Desta vez, Danny Strong atualiza o livro e Latarro reinventa os movimentos musicais. Aqui ela fala com Variedade sobre algumas das ideias de trabalhar com o conjunto, a coreografia de “One Night in Bangkok” e sua passagem para a direção.
No show, o conjunto permanece em grande parte no palco. Você pode falar sobre algumas das ideias por trás disso?
Algumas ideias muito claras desde o início foram que o conjunto enquadra a ação e eles mudam de forma. Eles podem se tornar a ação, comentar sobre a ação ou podem entrar no espaço para colocar alguma tensão na ação. Durante as músicas em que não estão cantando, eles ainda estão ativos. Cada ator do conjunto vivencia o espetáculo de uma maneira específica. Todas essas coisas foram selecionadas especificamente.
Gostei da ideia do conjunto em ternos cinza rígidos. De onde veio isso?
Tom Broecker fez os figurinos. Pesquisei no Google as fotos de John Longo, e são fotos de homens de terno em posições malucas e desequilibradas, então as postei pela sala, e isso se tornou parte do ímpeto do show.
Michael e eu estivemos na Rússia anos atrás. Vimos arte construtivista, e ela é reta, vermelha, preta, branca e musculosa. Então eu estava interessado em criar essas imagens que flutuavam entre essas linhas construtivistas angulares.
Quando fizemos isso no Kennedy Center em 2019, abordei o assunto de uma forma diferente. Nós nos tornamos o tabuleiro de xadrez e houve dança mais literal. À medida que fui crescendo, fiquei mais interessado nas partes expressionistas e depois comecei a dançar “One Night in Bangkok” e a música “The Arbiter”. Nós realmente selecionamos quando dançamos e como dançamos.
Você mencionou “One Night in Bangkok”. Nele, Aaron está apenas de cueca e vestindo suas roupas. O que aconteceu para montar isso?
A música e a história são reis. A história é que ele está em Bangkok. Se você já foi ao Soi Cowboy em Bangkok, o sexo é a moeda. Há uma sensação na vida real de homens observando mulheres. Isso faz parte da realidade do que acontece nessas ruas. Eu queria que as mulheres se sentissem sexy e poderosas, e elas contribuíram muito para a dança. Achamos que seríamos um pouco atrevidos e começaríamos com todos vestidos, e eles entrariam em vários estados de nudez, o que causa duas coisas. Cria um conjunto que agora desempenha o papel de Bangkok. Também nos deu esse momento divertido e atrevido em que Aaron começa a se despir e está vestido ao contrário no palco. Então isso nos deu outra coisa para fazer dentro do número. Nós nos divertimos muito descobrindo a melhor maneira de literalmente vestir as calças.
Quando você está montando um show, as coisas ficam na sala de edição. Como coreógrafa, como é quando o espetáculo abre e isso acontece?
Isso acontece em todos os shows. À medida que a história muda, a coreografia muda porque coreografia é história. À medida que os escritores tomam decisões sobre o que é uma história importante para contar, inevitavelmente, você precisa se manter simplificado.
Em “Chess”, havia uma música pouco antes do incrível “End Game” de Nicholas Christopher. Era esta peça musical coral no número original. O conjunto subiu ao palco segurando velas e fez uma procissão. É muito lento e bonito. É quase como se você estivesse em transe. Tive a ideia de criar um pas de trois, contando a história do triângulo amoroso. Mas quando assistimos ao show na frente do público, foi em um momento do show musicalmente que caiu justamente quando precisávamos nos levantar. Entendo estruturalmente por que decidimos que seria necessário cortá-lo. Há um ditado no teatro que diz que você tem que matar seus queridos. Nunca é divertido, mas é uma coisa necessária a fazer.
Tem algum número que você adorou montar?
“Golden Bangkok” no início do segundo ato. Kevin Adams, nosso designer de iluminação, e eu nos divertimos muito porque trabalhamos nos dançarinos saindo da luz. Foram necessárias seis horas de tempo técnico para obter a precisão disso. Tenho orgulho disso porque foi um momento e não há história para contar. Então tentamos torná-lo interessante de alguma forma, colaborando com a iluminação. É uma das danças mais difíceis do show.
O intervalo para dança em “The Arbiter” foi divertido porque nunca houve um intervalo para dança ali. Foi divertido ver Bryce Pinkham dançar naquele momento.
“Murano” é outro momento que adorei. Foi ambientado no norte da Itália. Queríamos ser modernistas. Então assumimos posições arrogantes que eram apenas do cotovelo ao pulso, e depois as juntamos nessas sequências muito longas. Provavelmente foi o que levou mais tempo para ensinar; embora pareça simples, foi um número difícil de ensinar todas essas posições porque em cada sílaba há uma mudança de forma, e isso ensina ao público que não vamos jogar xadrez da maneira antiga. Faremos isso de uma nova maneira.
Em seguida, você passará a dirigir. O que fez você querer fazer isso?
Adoro coreografar e é como respirar para mim, mas dirigir é algo que me deixa muito animado. Estou fazendo “Begin Again”, um filme de John Carne com música nova de Train. Também estou trabalhando com Emily Saliers (Indigo Girls) em um novo musical chamado “Starstruck”, baseado em uma versão lésbica de Cyrano. Tive os melhores professores. Trabalhei ao lado de gigantes como Michael, Marianne Elliott e Jerry Zaks. Eu realmente sinto que tenho um conjunto de ferramentas comigo na sala, e todas as suas orientações e ensinamentos, e agora é hora de encontrar minha própria voz.
Também adoro que você esteja trabalhando com estrelas do rock.
Sim, a linguagem das estrelas do rock
Qual é a linguagem das estrelas do rock?
Trabalhei com Pet Townsend, Green Day e Benny e Björn do ABBA. O que adoro na forma como esses artistas trabalham é que suas músicas são metafóricas. O que o rock and roll faz muito bem é viver dentro de uma metáfora, que é o que a coreografia faz muito bem. Você não está sendo literal quando está coreografando. Acho que essas duas coisas realmente funcionam bem. Uma das coisas que gosto de trabalhar quando estou trabalhando com esses caras é fazer com que eles permaneçam metafóricos e ainda assim promovam a história.
Esta entrevista foi editada e condensada.
