Deixando de lado o título agourento, seria razoável começar a assistir “The Plague”, de Charlie Polinger, e presumir que se trata de um drama juvenil sobre o amadurecimento – um “The 400 Blows” dos tempos modernos ou um “Welcome to the Dollhouse” masculino sobre um grupo de adolescentes que passam o verão em um acampamento de pólo aquático para dormir. No entanto, à medida que o filme avança, não só a sua narrativa se torna cada vez mais sinistra, como também o aspecto e a sensação do filme acalmam subtilmente o público para longe de uma segurança vivaz e para os reinos psicológicos mais sombrios do início da adolescência.
Por causa do cenário do acampamento de pólo aquático do filme, grande parte dele acontece dentro e ao redor de uma piscina coberta. Qualquer pessoa que tenha ido a um YMCA de manhã cedo conhece a forte fluorescência desses ambientes. Assim, os dois primeiros atos do filme são bem iluminados, às vezes parecendo quase esterilizados.
Na cena de abertura, a câmera está totalmente submersa na piscina, apresentando a primeira de muitas tomadas subaquáticas enquanto os meninos pulam na água, com as pernas balançando e perturbando a quietude aquática. Embora o azul lavado com cloro da piscina seja inconfundível, o diretor de fotografia Steven Breckon diz que ele e Polinger estavam tentando evitar fotos subaquáticas clichês. “A clássica foto subaquática é um comercial de perfume com uma mulher com roupas esvoaçantes e há um raio de luz de Deus nela”, diz Breckon. Variedade. “Isso não chega nem perto da aparência que queríamos que este material tivesse e, na verdade, fomos inspirados por um foco mais profundo, como uma pintura.”
Para conseguir as fotos subaquáticas, Breckon explica que o operador da câmera estava abaixo da superfície, recebendo instruções por meio de alto-falantes. “Eu basicamente poderia falar com ele através de um megafone gigante colocado debaixo d’água, então eram instruções distorcidas e ele apenas acenava ‘sim’ para a câmera ou acenava ‘não’ para a câmera para confirmar que me ouviu.”
Mesmo quando a câmera se torna menos estática, circulando em torno das crianças na água, balançando para cima e para baixo com aparente acaso, Breckon diz que foi orquestrado com mais cuidado do que parece. Ele diz que a câmera estava “em uma plataforma de flutuação que você pode esvaziar até o nível perfeito, onde ela fica meio dentro e meio fora. E empurrando-a na superfície através daqueles meninos e tendo todos os respingos acontecendo, ela tem uma energia muito caótica”, no entanto, “estava muito diagramada. Realmente não havia muita coisa para encontrá-la no momento porque tínhamos que estar tão seguros com os meninos. Você sabe, tínhamos salva-vidas em todos os cantos do quadro.”
A aparência portátil da sequência é complementada por seu som e partitura, que entram e saem sincronizadamente toda vez que a câmera submerge e ressurge. “Tenho quase certeza de que a redução real do som da música foi feita por Damien (Volpe) e Dave (Paterson) no departamento de som. Mas eu estava lá. Fui para essas sessões”, conta o compositor Johan Lenox. Variedade.
Enquanto a cinematografia lentamente se transforma do brilho enganoso de um bildungsroman para a escuridão de um filme de terror ao longo do tempo de execução, a música é consistentemente misteriosa desde o início, avisando ao público que nem tudo está bem para este grupo de crianças. “A música é assustadora, mas também é incrivelmente estranha”, diz Lenox. “Queríamos avisar com antecedência que alguma merda boba e insana iria acontecer.”
A energia agourenta é acentuada pelas qualidades surreais, às vezes liminares, da música. “Você está apenas me ouvindo lamentar neste microfone”, continua Lenox, observando que, embora a música seja estranha do começo ao fim, há escaladas sutis à medida que o filme avança. “Eu não acho que haja um instrumento de cordas no primeiro terço ou na metade do filme. E então esses sons barulhentos e ásperos dos instrumentos de cordas começam a se infiltrar nos vocais e eventualmente os suplantam assim que a diversão para”, explica Lenox. “Então também há esses sons tensos e crescentes de drones empurrando esses corredores e coisas assim. Acho que há um mais curto no início do filme e depois há um de três ou quatro minutos de duração no final.”
A visão e o som de “The Plague” apresentam rupturas visíveis em seu molde sinistro. Notavelmente, quando as crianças fogem à noite no meio do filme, uma longa tomada portátil as captura festejando em um beco.
“Essa é provavelmente a cena que representa a versão mais extrema do que descrevo como ‘a caixa de areia’”, diz Breckon. “Existem esses traços gerais que foram muito definidos e diagramados, mas dentro disso, é apenas um caos, deixando-os ir em todas as direções. Em termos de realmente abordar isso, eu estava tentando o meu melhor para nos comprometermos com uma área de 180 graus ou mais, pensando que daríamos meia-volta e chegaríamos ao outro lado, mas as crianças estavam andando em círculos e fazendo tudo, então rapidamente se tornou uma área de 360º e isso apresentou alguns desafios. Como diretor de fotografia, você quer que todos esteja na luz de fundo, e você não quer momentos de muita luz frontal Então eu estava tentando acompanhar aquela cena enquanto ela se desenrolava na nossa frente, mas não havia nenhuma versão de mim dizendo, ‘Ei, ei, ei. Em vez disso, foi como, ‘Não, as crianças estão nos dizendo o que precisa ser.’”
A cena atinge um crescendo quando um dos meninos coloca um CD em uma caixa de som e uma música pop italiana toca. Embora a música possa facilmente ser confundida com uma gota obscura, mas adequada, ainda é uma peça original composta por Lenox para o filme. “Vamos escrever nossas próprias coisas. Tipo, por que não?” reflete Lenox, apreciando como o “mundo sonoro do filme é 90% de uma coisa e depois essa outra coisa que entra.
A música se chama “Corsa Notturna” e traz vocais italianos de uma criança. São alguns dos únicos vocais da trilha sonora que não pertencem ao próprio Lenox. A música retorna mais uma vez no final do filme, em uma sequência de dança que mais uma vez apresenta técnicas de câmera inovadoras.
À medida que o personagem principal dança livremente, giramos com ele até que um efeito único se instale e pareça que a rotação continua enquanto corta perfeitamente entre o menino e sua perspectiva giratória. Breckon, porém, explica que o tiro não foi cortado. A equipe criou um espelho giratório de seis lados no qual o ator ficava parado, permitindo que ele aparecesse intermitentemente na cena reversa, enquanto mantinha o movimento circular voltado para fora.
“À medida que ele se torna parte da imagem, e ela passa das pessoas que olham para ele para apenas ele, ele está na verdade desacelerando. Ele não está mais girando e está começando a fazer um balanço da situação no momento, mas isso é contrastado pelo fato de que esse espelho está girando cada vez mais rápido”, diz Breckon. É um efeito paralisante que encerra o filme, encapsulando efetivamente a abordagem vertiginosa da história à auto-aceitação.
As influências para “The Plague” são múltiplas. Entre Breckon e Lenox, eles mencionam se inspirar em “Raw”, “Carrie” e “The Shining”, mas também em “Full Metal Jacket”, “8 ½”, “The Dark Knight” e “Superbad” para moldar a aparência e o som. O resultado é algo totalmente único: um filme de terror sobre a maioridade que explora a visceralidade social, psicológica e física do crescimento.
“A Peste” estreou no Festival de Cinema de Cannes em maio. A IFC adquiriu seus direitos de distribuição em agosto e lançará o filme nos cinemas em 24 de dezembro.
